> Saio Irekia


Desde Maushaus hemos tenido el placer y el honor de colaborar en el cuaderno nº 3 de Ondare Bizia, proyecto impulsado por K6 Gestión Cultural y Museum Cemento Rezola con el apoyo del Gobierno Vasco.

Esta publicación surge en continuidad con las jornadas profesionales Sesión Abierta (Saio Irekia) donde se proponen ideas y reflexiones en torno a los temas abordados en los encuentros, con la aportación de textos de diferentes personas invitadas.

En esta ocasión, las jornadas tuvieron lugar el Gordailu de Irun el pasado mes de noviembre. Allí tuvimos ocasión participar junto con otros agentes del mundo de la cultura quienes expusieron sus diferentes visiones en relación al tema que se proponía: Museos en tránsito. Del objeto al sujeto activo.

 

Los textos de las autoras y autores invitan a reflexionar sobre la transición  de los museos y otros espacios de la cultura hacia modelos más permeables, abiertos a la participación, donde  la interdisciplinariedad y la progresiva asimilación de la dimensión digital, adoptan un peso relevante. Una dirección que necesariamente sitúa a la institución cultural en continua transformación y reflexión sobre, entre otros aspectos, la relación que establece con una sociedad cada vez más diversa.

 

Aquí os dejamos un índice del cuaderno, esperamos que lo disfrutéis:

> Estética, interdisciplinariedad e interacción en los Museos/ Dra. Magda Polo Pujadas

> ¿El museo hacia el Metaverso?/ Carles Sora-Domenjó

> De la wunderkammer al metaverso. Museo e Internet como paradigmas en transición/ Clara Harguindey Cáceres & Daniel Pecharromán Calvo

> Har-eman/ Oskia Ugarte

> Mediación sensorial. Relaciones entre cuerpos y entornos museísticos / Laura Arensburg

> El derecho a la alegría/ Maushaus


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> Bizimoduak_IAE


Con motivo de la exposición ‘Bizimoduak. Maneras europeas de habitar', hemos diseñado un espacio en colaboración con el Instituto de Arquitectura de Euskadi, donde se reflexionará en torno a los valores que propone cada uno de los proyectos que se exhiben en la exposición. Valores como la participación, la colectividad, la creación de comunidad, la relación con el paisaje… 

En base a los ‘hashtags’ de la exposición, dos por taller, las personas participantes reflexionarán acerca de los valores adicionales que puede aportar la vivienda pública, resultando en nuevas propuestas urbanas. El claustro del edificio servirá como zona de trabajo, donde se construirá, progresivamente con cada taller, una maqueta a gran escala de manera participativa. El resultado será un espacio cambiante a lo largo de los meses que dure la exposición.

 

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Taller 1: #pioneering + #collaboration. Sábados 8/29 de octubre. Apúntate aquí.

Taller 2: #interconnected + #streetlife. Sábados 12/19 de noviembre. Apúntate aquí.

Taller 3: #landmark + #topography. Sábados 3/17 de diciembre. Apúntate aquí.

Taller 4: #inputs + #reuse. Sábados 14 de enero / 25 de febrero. Apúntate aquí.

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> Mirar con las manos


Hay un lugar común las obras de los grandes artistas plásticos. Es un espacio poético donde sus formas de expresión, encuentran su verdadera magnitud y buscan la vía para materializarse y lograr alcanzarnos alterando y ampliando nuestro campo de visión. Ese lugar es lo que conocemos como el territorio libre de la creatividad y ahí se reúnen a diario los artistas. Sin embargo, no es este un lugar sencillo para intercambiar puntos de vista y entablar conversaciones que sirvan de gran inspiración. Para ello está el plano físico, que se postula como el ideal para reunirse un momento y recordar al tiempo, que todo lo compartido y todo lo recibido permanece imborrable en el ser (o como dicen en la película Casablanca "siempre nos quedará Paris").

Los maestros Joan Miró y Eduardo Chillida se conocieron durante los años 40 en un hotel de Paris donde convivieron y congeniaron. Y esa coincidencia se repitió más veces a lo largo de sus vidas. El goce de sus encuentros lo atestigua su correspondencia que sirvió para apoyarse, demostrarse afecto y respeto mutuo por su obra, que supieron intercambiar ocasionalmente. Hablaron de lo "morrocotudo" de sus obras, como de lo diverso que puede ser trabajar líneas convexas o líneas cóncavas. Puede que en Paris, fueran ambos muy conscientes de la capacidad que tiene la poética para ofrecer una realidad alternativa, que ambos podían constituir a partir de sus obras y donde podían dar vida a un lenguaje poético, en una suerte de clarividencia o de conveniente rebeldía.

 

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Desde el mes de mayo el Museo Chillida Leku presenta una exposición de Joan Miró como artista invitado en 2022. Una exposición monográfica concebida como un homenaje a Joan Miró y un canto a su amistad con Eduardo Chillida. Compuesta por esculturas, dibujos y grabados que recorren las temáticas habituales del artista. La exposición cuenta con piezas destacadas como "Oiseau solaire, Pájaro solar" (1946-1949) o Femme, Mujer (1970).

En este contexto, el 4 de junio, fuimos invitados a impartir un taller para acercar la obra de Joan Miró al público familiar.

La dinámica comenzó con una visita guiada a las obras escultóricas de Miró y Chillida. De vuelta en sala, comenzamos el primer ejercicio. La técnica propuesta fue la construcción de una sencilla maqueta de volúmenes a base de pliegos de papel arrugados y encintados, que posteriormente envolvimos con papel de seda y cola blanca. Y en el segundo ejercicio, de manera colectiva, tratamos de evidenciar los métodos surrealistas de Miró, acercándonos al azar de sus piezas mediante el ensamblaje de objetos encontrados. Buscamos las relaciones entre ellos, hasta crear una composición que simbolizaba un ente, con una identidad que hallamos entre todos a partir del choque poético y accidental de los objetos físicos.

 

Hoy queremos agradecer como siempre a las familias que os acercastéis, al Museo Chillida Leku por invitarnos, (siempre un placer!), y sobre todo damos las gracias a Eduardo Chillida por animarnos a mirar con las manos y pensar con los ojos, por integrar la poética en nuestra pequeña ciudad y, compartir con nosotros todos sus avances en el espacio público. Mila, mila esker Maestro!

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> Gabonetako enborrak!


Los troncos de Navidad o troncos de Olentzero, son uno de los objetos y símbolos característicos del solsticio de invierno y de la fiesta de Eguberri. Al igual que el tradicional pino de navidad, se trata de un elemento muy ligado al paganismo, que con el devenir de los tiempos han acabado instalándose en el corazón de la navidad cristiana, como símbolos entrañables del imaginario colectivo.

Existe una antigua tradición vasca de poner un tronco de árbol a arder en la noche de navidad, o incluso uno por cada miembro de la familia. Este elemento de carácter protector recibe innumerables nombres locales y sirve para cocinar (el bacalao, la porrusalda o las castañas de) la cena de navidad. El origen de esta costumbre, se remonta en el tiempo hasta la época de la romanización, siendo anterior este tronco, al mítico personaje de Olentzero que visita nuestros hogares la noche de la natividad, ofreciendo regalos a las niñas y los niños. Curiosamente con estos grandes troncos, se trataba antiguamente de hacer un gran fuego, que evitase que Olentzero descendiese esa noche por la chimenea, y armado con su hoz segara la vida de los moradores de la casa. Además, en este orden de supersticiones, las cenizas eran recogidas y guardadas durante el año, para poder sanar a las personas y a los animales cuando enfermasen habida cuenta de las propiedades mágicas que se les atribuía a estas cenizas de tronco.

Gabonetako enborrak /los troncos de navidad
Dispositivo interactivo navideño diseñado por Maushaus para el Museo Balenciaga. Ver + fotos aquí

¿pero, por qué teníamos miedo al Olentzero en otro tiempo? Pues parece ser que por toda Europa circulan relatos del encuentro de las gentes comunes con los seres cuasi-mitológicos que levantaron los asentamientos megalíticos. En Euskadi estos seres extraordinarios son conocidos como los Gentiles y participan de uno de los relatos más importantes de la mitología vasca, junto con el nacimiento de Cristo y el famoso Olentzero, explicándonos la llegada de la buena nueva cristiana y el principio del fin del rito pagano en nuestra tierra. Dice así:


“Cuentan algunos, que hace tiempo, en la campa de Martxabaleta en la Sierra de Aralar, los Gentiles celebraban una fiesta pagana con bailes.De pronto, vieron acercarse por el este una nube dirigiéndose hacia ellos. Al ver esa extraña nube, estos hombres acostumbrados a las nubes de lluvia, fueron a buscar consejo a la mujer del más anciano, que era especialista en leer las estrellas y los cielos.

El anciano al ver la extraña nube, respondió apesadumbrado al concejo de los gentiles. ¡Hijos míos! -Dicen que les dijo- ¡ha nacido Kixmi y así, ha llegado nuestro final! Yo ya no quiero vivir más, por eso por favor lanzadme a un abismo.

Y siendo así, para cumplir con su deseo, lo lanzaron por un barranco, encontrando de este modo trágico su muerte. Al irse acercando cada vez más la niebla brillante, esta iba cegando a los Gentiles, y ellos a su vez iban escapándose en busca de refugio. Hasta un momento en que llegaron a un hayedo llamado Arraztaran, que estaba cerca. En cuanto la niebla se puso sobre sus cabezas, los Gentiles quedaron absolutamente enterrados bajo una enorme pila de piedras.
Hoy en día a este montón de piedras se le conoce con el nombre de Jentilarri, la piedra de los Gentiles. Pero, parece que no todos murieron allí y que solo uno sobrevivió. Es el que anuncia la venida de Kixmi en todo Euskal Herria y es conocido como Olentzero.”

La historia es contada por un pastor de Zaldibia a Joxe Miguel Barandiarán en 1916 y este la recoge en su Antología de Fábulas, cuentos y leyendas del Pais Vasco.

(*nota: En el idioma de los Gentiles, Kixmi y Cristo son sinónimos.)


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> Crónica 2º trimestre curso II


Este segundo trimestre, dedicado al estudio de materiales y técnicas, teorías del color y relaciones formales, se debe en gran medida al sueño desmedido de Walter Gropius y su escuela de la Bauhaus en Weimar.

La manera que tuvo de equilibrar en un programa, oficio y creatividad, bien fuese pictórica, escultórica, bien arquitectónica, (en una y única Gesamkunstwerk), aportó esa nueva visión, que fue capaz de seducir a la industria moderna, y en base a la producción de objetos esenciales de la vida común, la Bauhaus fue capaz de fundirse con ella e incorporarse a la línea del tiempo, para nunca desaparecer de la vista!

Nosotros rendimos nuestro particular homenaje a esta escuela, taller a taller, picoteando de maestro en maestro, de material en material, hasta reconocer los pasos de l@s maestr@s Albers, Stözl, Breuer, Schlemmer, Hirschfeld-Mack, Moholy Nagy,... De las enseñanzas y reglas vigentes de unos y otros, hemos aprendido a abordar procesos de diseño artesanos, llenos de creatividad y belleza. Fabricamos divertidamente desde juegos de té a rayogramas de luz, pasando por telares, muebles, ajedreces, hasta elaborar hermosas composiciones pictóricas, repletas de unicornios y arcoiris!

Estos días, aprendimos muchas palabras francesas, como decoupage, grattage, collage,...y despidiendo nuestro trimestre favorito, homenajeamos a otro amigo "d'epoca", que nos trajo el assemblage. Con el taller de Kurt Schwitters, cerramos por un momento la cápsula del siglo XX sin preocuparnos mucho, pues muchos aprendizajes de esas fuentes son aun palpables, manan, y están vigentes, allá donde escrutemos un poco con la mirada. Desde las tipografías de palo seco en los affiches del metro o las señaléticas de tu ciudad, los muellecitos de aquel flexo a la pata cromada, de la silla que acompaña tus mejores lecturas, mucha de nuestra cotidianeidad, se la debemos a esos estudiantes y aquellos maestros que sin descanso, ni encargo, pintaban en sus residencias diariamente, iluminando todas las noches.
Sólo nos quedaría para cerrar esta crónica del trimestre, relataros el transcurso de dos talleres a los que tenemos especial cariño. Uno es L'atelier Rouge, que como su nombre indica, hace referencia a un bello e inquetante, cuadro homónimo de Henry Matisse. Con este ejercicio de análisis pictórico, a través de la contemplación y análisis de una serie de pinturas, con interiores coloristas, y con perspectivas, de punto de vista central, tratamos de bucear en las bellas pinturas, e imaginarnos los restos de las piezas, no iluminados por los maestros pintores.


El otro, es la máquina de inventar historias de Rocío y Mario, que con todo el encanto que contiene, mueve a mayores y pequeños a cortar y plegar papel, hasta armar una luminaria que te transporta a los ambientes de las mil y una noches! 
L'atelier Rouge es, un juego de contrucción-deconstrucción-reconstrucción de una escena pictórica, donde mediante la desaparición, por nuestra parte, del plano del cuadro original y la extrusión volumétrica de la estampa, que representa el espacio al interior de las pinturas de Da Vinci, Velazquez, Picasso, Kandinsky, Matisse, Hopper, Van Gogh,... podemos jugar a placer, por todos los rincones y espacios, y movernos por maquetitas, a escala, para proponer al final del taller una foto y una posición de marco, y delimitar, tal vez, nuevos encuadres, o respetar la visión original.
El segundo taller, contiene la más elemental de las luces, la esencia de una única candela, que induce a escuchar al otro, a atenuar la voz en susurros, a contar historias, y a soñar y reir!
Gracias a tod@s vosotr@s maestr@s!!

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> Maushaus loves Lucio Muñoz!


Lucio Muñoz, pertenece a una generación de artistas y discípulos de Benjamín Palencia, que practicó el camino de la abstracción y el compromiso con el llamado expresionismo abstracto, desde los años 50 del SXX hasta su fallecimiento en 1998. En junio de 1962 se presentó al concurso para la realización del ábside de la basílica de Aranzazu, con una propuesta monumental, que entronca, con la manera habitual de proceder del artista en sus obras.
Frente a la narrativa de Lara, Lucio evita la figuración y propone para el ábside, un lugar natural para la aparición, un drama de montañas calizas y vertiginosos cortados, donde encontrar a Andra Mari y encontrarse cómodo uno mismo. La propuesta informalista de Muñoz, se basa pues en la naturaleza imponente de Aranzazu y su grandeza, en la poética y el misterio de la aparición, que encierra este rincón de Gipuzkoa, donde la religiosidad es profunda y sincrética.
Se dice, que Lucio desarrolló una bonita relación con Andra Mari mientras creaba ese espacio mental para el encuentro y que de algún modo se hizo vasco, recuperando lo religioso, desde su reverencia ante la imponente naturaleza de estos valles. Así pues, con esta bella obra de 620 m2, construida en madera y de carácter mural, que es el retablo, se dota a la basílica de un alma mater naturalista. Una gran obra, que transmite, desde una simbología muy básica, la idea de tres planos superpuestos del paisaje oñatiarra, que ascienden desde la oscuridad hacia la luz cenital. A nivel de color, es una sutil degradación de tonos naturales, que nos hace instintivamente levantar nuestras barbillas en busca de la virgen, y nos atrapa definitivamente en su juego, de una plástica fuerte y muy espiritual. Así pues, el retablo de Aranzazu, como mucha de la obra de Muñoz, no es tanto una obra que debamos entender, sino un fenómeno abstracto que sentir. Es una obra entrañable en el sentido literal, una naturaleza a la que acercarse, sólo desde las entrañas del alma, algo que no puede sucedernos desde la racionalidad pura.
Lucio nos propone una geografía para disfrutar, de la misma manera contemplativa en que afrontamos los parajes naturales. Y este es el éxito de Muñoz, sin tener que abandonar su estilo informalista, logra con su propuesta alcanzar unos niveles de evocación tales, que dejan en evidencia a las demás propuestas de concurso, y nos conducen sin esfuerzo, a un mundo de abstracción en el que la emoción prima sobre la razón.

 Nosotros continuando con la serie de talleres monográficos dedicados a los artistas que levantaron la basílica, preparamos un taller para los más pequeños, en el que disfrutaremos de la obra del artista Lucio Muñoz y su maravilloso informalismo.
+ info aquí.

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> 1er trimestre curso avanzado


Decía el maestro Kandinsky que abstraer es eliminar aquello que sobra, lo inecesario, lo aparente, lo que distrae, lo superfluo, en fin. Preguntaba también el Maestro qué es lo que le queda al mundo al retirarle todo lo supérfluo y ciertamente sabía que lo que queda es lo esencial. Un mundo de puntos, líneas y planos en pura interactuación, capaces de evocar en sus ritmos y composiciones, al tiempo y al espacio en equilibrio.
El curso avanzado maushaus, se inicia con un programa, versado en el dibujo como principal herramienta, que nos ayudará a aproximarnos a aspectos de la arquitectura y de la vida, que de otro modo, tal vez quedarían ocultos a los ojos de nuestros arkitxikis. A diferencia tal vez de la formación académica que nosotros mismos recibimos en la escuela, la figura humana no es tanto el modelo iniciático donde aprender a dibujar, pero si un pretexto con el que bocetear de memoria y con el que activar la fantasía y su retentiva. En este curso, los paisajes, la vegetación, la naturaleza, y la arquitectura son estudiados, para acercarnos a las leyes de composición que las rigen.

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Durante este trimestre, los dibujantes se han ejercitado con cuestiones y temáticas tan propias y necesarias para el estudio con el lápiz, como son la creación de murales y vidrieras, el asunto del grafismo, lo constructivo del esqueleto mecánico de las formas, el diseño de muebles, jardines, interiores y exteriores y en definitiva acercándonos a la proyectación del mundo cotidiano.
Más allá de los materiales o de las teorías del color y las formas, este curso hemos practicado la pintura y el dibujo, desde las técnicas, frente a los estilos, y así la arquitectura nos ha mostrado interioridades constructivas más interesantes a los ojos de un niñ*, que lo que sus propia formas pretenden anunciar. Los muros ciclópeos de Perú, los tambores de las columnas griegas, o la construcción de las pirámides egipcias, continuan aglutinando misterios que, tal vez, sólo con el lápiz podamos alcanzar.
Sólo nos queda agradecer a nuestros grandes dibujantes y sus familias, que han dedicado su amor por el dibujo y la arquitectura los viernes de otoño, eskerrik asko!!


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> Fabrika!


A pesar de la enorme labor filantrópica, que llevaron a cabo algunas empresas guipuzcoanas en plena industrialización de los albores del siglo XX, con la promoción de viviendas económicas para sus trabajadores en entornos ideales y cercanos a los nuevos signos y standares de la modernidad, podemos asegurar, que si existió un laboratorio para la experimentación de la plasticidad y el moldeo del hormigón armado, no fue precisamente la vivienda.

Tal vez la expresividad del pétreo material armado, sólo encontró sus posibilidades manifiestas en la arquitectura fabril y en la espacialidad religiosa. Las fábricas de hormigón, consiguieron con sus espacios funcionales y ligados al trabajo, poner al pueblo en marcha, creando una civilización armoniosa, en entornos de tradición preindustrial (como en el caso de Rezola, o Fruges), con plena participación social y de unánime fe en la acción y la fuerza del trabajo. 

La aparición de la industria electrificada y moderna, trajo de la mano de algunos industriales ilustrados, la ciencia y la técnica para el desarrollo, que dota de infraestructuras al territorio, vías férreas para el transporte y la comunicación de los trabajadores o aporta el mecenazgo para el desarrollo de sus actividades, más allá del puro trabajo.

En el caso de Rezola y Añorga, La cementera se implanta en un contexto de toponimia, que habla de errekas(cauces) y molinos, de piedras y cal. Allá donde las aspas y la fuerza del río, rompieron ya una vez la piedra, se colocan las nuevas tolvas modernas de Rezola. Tradición y modernidad, lo rural y lo urbano, el pueblo y el barrio, pugnan en un contexto industrial que hoy podemos ya valorar correctamente, con la distancia que aporta el tiempo.

El antiguo espacio de trabajo se ha convertido en patrimonio, y este en un recurso educativo de primer orden. A través del estudio de algunos ejemplos de nuestras fábricas, tendremos al alcance de la mano ejemplos maravillosos del empleo audaz del hormigón armado, que nos ayudan a tratar y comprender, los temas de la antropología social del siglo XX y la insólita arquitectura de la industralización.
Con el taller Fabrika!, tratamos de interpretar de manera constructiva la implantación industrial, el desarrollo social al rededor de la fábrica Rezola y las sucesivas intervenciones de la cementera en el entorno de Añorga a lo largo de los años, para de paso, celebrar el 15 aniversario del Museum del Cemento con las familias. Por ello felicitamos a todos por el trabajo en equipo y la maravillosa tarde que pasamos tod@s junt@s en el frontón.
Zorionak Rezola!!


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